Jim Hart har aldrig været en til at sidde stille, musikalsk eller på anden måde. Uanset om han står bag en vibrafon, et trommesæt eller et klaver, er han altid blevet trukket til kanterne af, hvad der er muligt, nysgerrig efter, hvad der sker, når du slører grænser – mellem genrer, mellem sammensætning og improvisation, mellem akustiske og elektroniske verdener. Når han sad ned for at tale om sin rejse, hans band The Cloudmakers Trio og deres seneste album A Drop of Hope in the Ocean of Sikkerhed, er Hart’s samtale lige så åben og efterforskende som hans musik.
Da jeg spurgte Jim om begyndelsen af Cloudmakers -trioen, var hans svar forfriskende ligetil. ”Det hele startede med Dave Smith, virkelig. Vi var fladkamerater i næsten et årti i de tidlige 2000’ere og spillede konstant sammen. Dave var allerede i mit gamle band, Gemini, så vi havde denne kortfyldte.” Det tredje stykke af puslespillet var bassist Michael Janisch, der ankom til London, ligesom Jim og Dave ledte efter nye musikalske udfordringer.
”Michael arrangerede disse optrædener med internationale gæster – han ville sammensætte rytmisektioner, og Dave, Michael, og jeg blev House Trio i et stykke tid. Vi spillede med nogle fantastiske musikere, som Yuri Pukl og Ralph Alessi. Gig med Ralph blev faktisk omdannet til en turné, og vi indspillede disse Nights, som blev vores første album som et band.”
Da jeg hørte oprindelseshistorien om skymakere, var det, der ramte mig, hvor organisk trioens dannelse var. Der var ingen storslået plan – bare tre musikere, der klikkede, øvede og spillede sammen, indtil kemien blev ubestridelig. Jim fortsatte ”Jeg indså, at dette var den retning, jeg ville tage til mit næste projekt. På det tidspunkt var jazzscenen mættet med klavertrioer, men vibrafon -trioer var sjældne. Det føltes som et uudnyttet format, så jeg tænkte, hvorfor ikke udfordre mig selv?”
Denne følelse af udfordring og nysgerrighed har fremdrevet skyproducenter lige siden. Efter Ralph Alessi -projektet frigav de nogle af liveoptagelserne som rekord, og tingene startede derfra. ”Vi har også udvidet til større formationer som kvartetter og kvintetter. Det var tilbage i 2010, så det har været omkring 14 eller 15 år nu. Det har været en ganske rejse.”
Samarbejde er kernen i Jims arbejde, og den nye Cloudmakers -rekord, en dråbe håb i havets usikkerhed, er ingen undtagelse. “Efter at have fokuseret på vibrafonen som det centrale harmoniske instrument i et stykke tid, ville jeg genoptage et klaver. Jeg har spillet med store pianister før – ligesom Ivo Neame, der er fantastisk – men jeg var klar til at udforske den lyd verden igen med cloudmakere.”
Spørgsmålet var: hvem? I løbet af de sidste par år havde Jim spillet på Bezau Beatz -festivalen i Østrig flere gange og altid krydset stier med Leo Genovese. ”Hver gang var Leo også der. Vi lærte hinanden at kende, og jeg fulgte hans musik tæt. I 2023 hørte jeg hans trio på Bezau Beatz, og jeg blev sprængt væk. Det var det øjeblik, jeg tænkte:” Jeg må gøre dette med Leo. ””
Det er den slags historie, der kun er muligt i jazz: to musikere, der kredser om de samme festivaler, og som endelig forbinder på lige det rigtige tidspunkt. ”Første gang jeg spillede på Bezau Beatz var sammen med Cloudmakers, og Leo var der. Han elskede det, vi gjorde, og jeg følte det samme om hans musik. Da jeg hørte hans trio det år, klikkede det bare på. At skrive musik var inspirerende, og det føltes som den perfekte pasform.”
Jeg var nysgerrig efter udfordringen med at skrive til både klaver og vibrafon – to instrumenter, der let kan mængde hinanden harmonisk. Jim var oprigtig: ”Det var en vigtig overvejelse. Jeg ville dele de harmoniske og melodiske roller lige mellem vibrafonen og klaveret, næsten som at kombinere en klavertrio og en vibrafontrio i en ‘trio -kvartet.’ Begge instrumenter ville være blystemmer, spille melodier og harmoni. ”
Han beskrev at skrive dele, hvor instrumenterne ville fordoble melodier eller udforske forskellige stemmer, som undertiden forlængede det harmoniske interval med overlappende dele. “Vibrafonen er begrænset til fire noter ad gangen, så at have klaveret komplement eller reducere dens rolle til tider skabte nogle interessante strukturer. For eksempel kunne klaveret muligvis spille kun tre eller fire toner til at fordoble, hvad vibrafonen gør. Det handlede om at gifte sig med de to instrumenters lyde og udforske alle de kombinationer, vi kunne bruge.”
Leos færdigheder på synths var også en faktor. ”Han er en fantastisk keyboardspiller, så jeg ville integrere hans færdigheder på synthesizere som The Prophet 6 på nogle numre. Mike Janisch spillede elektrisk bas, som vi ikke havde brugt meget før med Cloudmakers, og Dave Smith brugte nogle live looping og effekter på trommer. Så albummet var en mulighed for at udforske elektronik og udvide vores lydpalette.”
En ting, der straks ramte mig om det nye album, var, hvor problemfrit det bevæger sig mellem komponeret og improviseret materiale. Jeg spurgte Jim, om det var et bevidst mål. “Ja, bestemt. Fordi Leo er baseret i New York og har en travl tidsplan, vidste vi, at repetitioner ville være begrænset. Musikken, jeg skriver, er ikke nødvendigvis kompleks for kompleksitetens skyld, men det er sådan, jeg hører den – klare arkitektur med enkle ideer.”
Processen var metodisk: ”Mike, Dave og jeg øvede og arbejdede musikken i vid udstrækning, før vi sendte optagelser til Leo. Vi havde derefter en tre timers generalprøve med sig natten før optagelsen. Leo er utroligt forberedt og har denne fantastiske evne til at passe ind i enhver musikalsk kontekst og hæve den. Han følte sig som et naturligt medlem af Cloudmakers med det samme.”
Jim citerede Wayne Shorters sidste kvartet som en vigtig indflydelse. ”Denne gruppe slørede linjerne mellem sammensætning og improvisation på en måde, der dybt genklang med mig. Leos forbindelse til Wayne kortere inspirerede også noget af materialet.”
Når han lytter til pladen, er det klart, at Leo ikke lyder som en gæst – han lyder som en udvidelse af bandet. Jeg satte dette til Jim, og han var enig. “Leo passer så naturligt ind i musikken, at det virkelig er bare Cloudmakers-trioen, der bliver større. Han har denne kamæleonlignende kvalitet-han spiller altid, hvad musikken har brug for. Denne alsidighed er en enorm styrke. Han pålægger ikke en tydelig ‘Leo-lyd’, men forbedrer gruppens lyd, hvilket gør den rigere og mere ekspansiv.”
Det nye album indeholder mere elektronik end tidligere Cloudmakers -udgivelser, og jeg var nysgerrig efter, hvor bevidst det var. ”Det var bestemt forsætligt. Fra starten af skriveprocessen havde jeg visse melodier i tankerne, der ville drage fordel af synths, elektrisk bas og livebehandling på trommer. Jeg brugte også nogle akustiske præparater på vibrafonen.”
Jim var klar over, at elektronikken ikke kun var til show – de blev integreret i kompositionerne fra bunden af. “Mike’s Electric Bass and Pedals, Daves live -behandling og Leos synthesizere som profeten 6, der alle bidrog til at udvide vores soniske landskab. Sammensætningerne var formet med disse lyde i tankerne. Det var sjovt at skubbe videre ind i dette territorium.”
Og på trods af teknikken er albummet et dokument med live performance. “Alt på albummet spilles live, med meget lidt overdubbing. Der er en smule overdub på et spor, hvor Leo tilføjer profet 6 over klaver, men ellers er det hele live performance. Den live energi er vigtig for os.”
Jeg har altid været fascineret af den interne dynamik i bands, især dem med stærke ledere. Jeg spurgte Jim, hvor samarbejdende cloudmakere er. ”Det er primært mit projekt. Musikken er for det meste min. Men Mike og Dave er utroligt støttende og bidrager med ideer, der hjælper med at forme arbejdet. Michael Janisch, der driver vores label, spiller også en stor rolle bag kulisserne. Mens det er mit band og musik, er det meget en kollektiv indsats med hensyn til ydeevne og udvikler lyden.”
Jims musikalske baggrund er lige så rig, som hans spil antyder. ”Jeg voksede op i Cornwall, i den sydvestlige del af Storbritannien, i en meget musikalsk familie. Jeg var heldig at have fremragende musiklærere fra en tidlig alder. Jeg startede percussion -lektioner med Russell Davis, da jeg var omkring fem, og samtidig begyndte klaverundervisning med Cecil Duval, der var fra Philadelphia og havde været en turnémusikmusiker for kunstnere som Teddy Pendergrass.”
Han krediterer sin familie med at skabe en kærlighed til musik. ”Min ældre bror er en trompetspiller, og hans lærer var en jazzmusiker, så der var en masse jazz rundt om i huset. Min far driver kor og trådte ind for at lede det lokale store band, efter at den forrige leder døde. Min mor tog endda saxofon op for at spille i det. Så musik var meget del af vores familieliv.”
Hans formelle undersøgelser tog ham med til Chethams School of Music i Manchester, derefter til Guildhall i London, skønt han rejste, før han var færdig med at forfølge optrædener. ”Jeg spillede klaver, trommer og mallet -perkussion i forskellige omgivelser, men spillede ikke jazz vibber meget på det tidspunkt. Det var venner som Gwilym Simcock og Gareth le Crane, der opfordrede mig til at fokusere på vibrafon og sagde, at der ikke var mange vibes spillere rundt, og jeg skulle forfølge det. Det råd, der virkelig stak med mig.”
Som nogen, der har brugt år på at slå forskellige musikalske roller, var jeg ivrig efter at høre, hvordan Jim ser sig selv. ”Det er et godt spørgsmål, og ærligt talt synes jeg, at” perkussionist ”er en god paraplybetegnelse for mig, fordi det dækker både vibber og trommer. Men for at være mere specifik, ser jeg virkelig mig selv som både trommeslager og en vibrafonspiller – Ækalt. Jeg elsker begge instrumenter, og jeg betragter dem begge til mit ‘første’ instrument, hvis det er fornuftigt. Jeg føler mig utrætteligt at have begge i mit liv.”
Han talte om den inspiration, han får ved at arbejde med andre trommeslagere og vibrafonister, og hvordan skift mellem instrumenter holder tingene friske. ”Hver gang jeg har travlt på det ene instrument, finder jeg mig selv at øve det andet. Hvis jeg figger meget på trommer, vil jeg bruge min øvelsestid på vibber, og vice versa. Det er en fantastisk måde at holde tingene friske – en ændring af headspace og et nyt musikalske perspektiv hver gang. Så ja,” perkussionist ”, men i kernen, jeg er bare en musiker, der elsker både trommer og vibes.”
Jim spiller også Marimba, men mindre ofte lever. ”Jeg spiller også Marimba. Jeg har en derhjemme og spiller den fra tid til anden. Da jeg var sammen med Marius Nesets band i cirka ti år, spillede jeg en masse marimba såvel som vibber. Jeg spiller stadig marimba derhjemme, men jeg har ikke en tendens til at fylde det meget ofte.” Det er et dyster af et instrument – big, tungt og ikke den lette ting til vogn omkring eller at blive leveret som backline. ”
Han er ærlig om instrumentets grænser for sit live arbejde. ”Musikalsk finder jeg også marimbaen noget restriktiv i visse sammenhænge. Hvis jeg skal spille Marimba på en koncert, ville jeg normalt have en vibrafon der også. De to supplerer hinanden, men Marimbas soniske verden er en smule smalere for den slags musik, jeg kan lide at spille live.”
Når det kommer til elektronik, er Jims tilgang pragmatisk. ”Ikke rigtig, i det mindste ikke på den måde, som nogle mennesker gør. Jeg plejede at have et pickup -system på mine vibber, som jeg ville løbe gennem effektpedaler. I disse dage bruger jeg kontaktmikrofoner og kører dem gennem et par pedaler, men jeg prøver at holde tingene ret analoge.”
Han beundrer musikere, der dykker dybt ned i elektronik: ”Jeg arbejder tæt sammen med Petter Eldh, og jeg elsker hans produktionsarbejde. Jeg er også virkelig i kunstnere som flyvende lotus. Faktisk er et par melodier på den sidste skymakerrekord indirekte påvirket af flyvende lotus. Men ærligt, der er mennesker, der gør det, jeg vil have det ekstremt godt, og at holde mine vibes og tromme, der spiller på det niveau, jeg vil allerede være en masse. mig selv for tynd. ” Men han udelukker ikke noget. ”Nogle gange kan jeg forestille mig at køre mine mikrofoner ind i Ableton og behandle ting live. Jeg har nogle ideer til et solo -projekt, der måske kan udforske dette territorium, måske næste gang der er en stor pause – som jeg ved ikke, den næste pandemi! Men lige nu har jeg fået masser på min tallerken med skrivning og optræden.”
Det, jeg tog væk fra min samtale med Jim Hart, var en følelse af evig bevægelse – en musiker, der altid søger, altid spurgte, altid nysgerrig. Uanset om han er førende cloudmakere, samarbejder med nye stemmer eller drømmer om det næste projekt, er Jims tilgang forankret i åbenhed, strenghed og en ægte kærlighed til håndværket. Det er en påmindelse om, at den bedste jazz aldrig er statisk, og de bedste musikere stopper aldrig med at lære.
Tekst af: Peter McLarren | Fotos af: Victor Guidini, Alex Bonney, Monika Jakubowska. Yderligere fotos høflighed af kunstneren.